Alfombras turcas

Los artículos turcos más preciados y conocidos en el mundo entero son las alfombras turcas, que constituyen un verdadero espectáculo de colores y diseños y están consideradas autenticas obras de arte. Así por ejemplo, las alfombras son típicas de las distintas regiones del país, y se distinguen no sólo por dibujos sino también por el material empleado: las de Hereke, procedentes de la ciudad homónima, se caracterizan por su rica decoración floral y por estar realizadas en seda. Las alfombras de Hereke están consideradas como las reinas de las alfombras turcas, y los suelos de los palacios y las mezquitas imperiales estaban adornados con sus ejemplos. La calidad se evalúa por la densidad y porque los nudos sean pequeños.
Los turcos usan alfombras desde hace siglos. Al ser enrollables y fáciles de transportar formaban parte esencial de la vida de los nómadas para evitar el frío del suelo de sus tiendas. Las chicas tejían para la dote de sus maridos cuando iban a casarse. Ahora tendrá la oportunidad de tener en su casa un recuerdo bien bonito, decorando algunas habitaciones de su casa con estas originales obras de arte hechas a mano, que son la mejor compra en su viaje a Estambul. Las alfombras persas tienen simple nudo y las alfombras turcas doble nudo, nudo turco o llamado Gördes, deriva su nombre al famoso Nudo Gordiano.








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Arte y cultura de Irán. El legado del arte persa

Las primeras producciones artísticas de la cultura se remontan al V milenio a . de C . y consisten en figuritas de barro y vasijas de cerámica hechas sin torno y decoradas con pinturas que imitan el trenzado del mimbre. 
El conocimiento de la metalurgia da lugar al desarrollo de una notable industria del bronce . El arte del metal , así como el de la cerámica , se desarrollan notablemente a través de las diferentes épocas . 
La arquitectura y los bajos relieves , especialmente los que sobreviven en Persépolis , Naqsh-e Rostam y Pasargada , demuestran la gran habilidad de los antiguos constructores . Las edificaciones de los tiempos de los sasánidas se distinguen por sus techos abovedados , por el uso de piedras y morteros y por sus vajillas elaboradas en barro , plata y oro . Con la aparición del Islam , se extendieron considerablemente las manifestaciones artísticas como la literatura , la arquitectura , la cerámica , los tejidos , la cristalería , la pintura y la miniatura . 
La artesanía iraní goza de fama mundial especialmente la fabricación de alfombras y tapices . La alfombra iraní es un símbolo del arte e industria de este pueblo y sus orígenes se remontan a los inicios de la cultura persa. La maestría en la preparación de tejidos se originó por la necesidad de mantener calientes los hogares en la tierras altas y ahorrar combustible . Su evolución enriqueció tanto los colores y diseños que nadie puede competir con ellos . Esta maestría ha permanecido con el paso de los siglos y hoy en día las alfombras persas ornamentan los suelos de palacios , museos de prestigio , colecciones particulares , etc . 
En cuanto a figuras literarias se refiere , Firdusi (el paradisiaco) , que vivió en el siglo X , está considerado como el creador de la poesía épica de la literatura neopersa . Su obra principal es el Shahname (Libro de los Reyes) , que relata en unos sesenta mil versos dobles antiguas leyendas épica persas . Destacan , además , Jayyam , poeta filósofo , Hafiz , lírico y gnóstico y Sadi , poeta lírico . Ya en este siglo se distingue Hedayat , considerado el mayor prosista persa contemporáneo .






http://www.rumbo.es/guide/es/omedio/iran/arte.htm

Las alfombras persas

Quien no ha oído hablar de las famosas alfombras persas. Constituyen un elemento indispensable en todas las casas de Irán. Su gran valor es fruto de su componente artístico y de su técnica de confección, desarrollada durante siglos por el pueblo iraní.


Las alfombras de Persia
Si hay un elemento fundamental e imprescindible en Irán, esa es la alfombra, y es que es usada por todos los estamentos sociales del país, desde los palacios de los ricos, como en las cabañas más pobres. La alfombra es utilizada para dormir, para orar, comer, y recibir a los huéspedes.

La alfombra más humilde recibe el nombre de kilim, no está anudada y se puede describir como un simple tejido. El kilim ya era usado por los sumerios en sus casas.
En Irán es tradición que las  alfombras lleven el nombre de la región o ciudad de la que procedan, lo que constituye un motivo de orgullo por el que presumir. Así habrá alfombras que sean de Teherán, Isfahán, Tabriz, o Kashan,  entre otras ciudades.

Su evolución temática ha estado fuertemente ligada a la influencia y tolerancia de la religión islámica, y es que el Islam prohíbe la reproducción de figuras humanas en los dibujos de las alfombras, por lo que hasta el siglo XIX solamente aparecerán dichos motivos pero muy estilizados.
Será a partir de ese momento cuando el arte popular reanude sus antiguas tradiciones y de esta manera aparezcan en los dibujos de las alfombras temas como imágenes fantásticas de reyes, héroes, y bellas mujeres.


Un símbolo de la  cultura iraní
Las alfombras persas forman parte de la cultura de Irán. Son un símbolo al que los iraníes muestran un gran respeto. Un respeto que ha ido creciendo a lo largo de los siglos y que se refleja en ver como han mantenido las técnicas del teñido de la lana, la elección del dibujo, y la del propio tejido, siendo prácticamente similares a las que empleaban los antiguos persas.

Una de las tribus más antiguas de Irán, la de los qashqai, es famosa por sus alfombras, las cuales reciben un trato exquisito en su proceso de elaboración ,y es que después de tejerlas son sacudidas al aire libre para ser posteriormente sumergidas en el agua corriente de los ríos para que conserven toda la belleza del crisol de colores que tienen.



Las alfombras en las calles de Irán
Transitar por las calles y mercadillos de las ciudades supone admirar el espectáculo que gira alrededor de la venta de alfombras, como de rito se puede considerar el proceso previo que se lleva a cabo por parte de los comerciantes para que las alfombras sean vendidas.
Las alfombras son extendidas sobre el asfalto polvoriento, dicho así puede sonar contradictorio que un artículo de tal valor se ponga directamente sobre esa superficie, pero parece ser que este peculiar tratamiento es el más adecuado para el resultado final de la venta.
Y es que las alfombras, cuando salen del telar, tienen una superficie todavía rugosa y gruesa que sería poco apreciada por los compradores. Al extenderlas en las calles y estar sometidas a la intemperie, la suciedad, el polvo y las pisadas de personas, hace que al cabo de los días al retirarse del suelo y a pesar de que están sucias, aparecerán perfectamente lisas y dispuestas para la última operación antes de la venta, el lavado en agua corriente.

Pinturas madhubani

Las pinturas madhubani (una gran tradición de la región Mithila de Bihar, India) están entre las más famosas del mundo. Un arte popular que expresa la creatividad y la sensibilidad de la gente. Como cualquier tipo de arte popular, muestra también la psicología de la sociedad a la que pertenece; refleja la moral, los valores y las costumbres de la región de una manera muy interesante.

El arte de las pinturas madhubani es una moda tradicional de pinturas desarrollada en la región de Mithila, en los pueblos cercanos a la ciudad de Madhubani. Literalmente, la palabra Madhubani significa “bosque de miel”.
Las pinturas madhubani son monopolio exclusivo de los artistas y su conocimiento pasa de generación a generación, de madres a hijas. Las chicas aprenden a jugar con el cepillo y con los colores desde la niñez. El momento culminante es la decoración del kohbar (es el nombre que recibe el cuarto de la casa donde vive la nueva pareja después de la boda).
Aunque las pinturas están hechas tradicionalmente por mujeres, los hombres se van implicando cada vez más, para poder responder a la demanda.
También el proceso tradicional se va modificando. Si tradicionalmente la pintura se realiza artesanalmente, en una pared enyesada o en una pared de barro, ahora la demanda comercial está llevando las pinturas a papeles y ropas.

Su origen es bastante desconocido. Se cree que el rey “Janak” había pedido desarrollar estas pinturas para la boda de su hija Sita, esposa del dios Ram.
Básicamente las pinturas son de motivos religiosos. El tema central de todas las pinturas es el amor y la fertilidad. Se hacen en los cuartos especiales de la casa, como en el cuarto destinado a la oración, el área ritual, el cuarto nupcial, en las paredes principales del pueblo amodo de bienvenida, etc.
Los dibujos de la naturaleza y de la mitología son adaptados y versionados según el estilo de cada región, incluso cada persona. Los temas y los diseños más pintados son la adoración de las deidades hindúes y episodios de sus escrituras sagradas, como el episodio de Radha y Krishna, Rama, Shiva, Ganesh, Laxmi, Sarswati, el mono, el sol, la luna, la planta de tulasi, la deep (es una lámpara tradicional de tierra, símbolo de la vida feliz), escenas de boda y otros acontecimientos sociales.

Antes de empezar la pintura, las mujeres suelen realizar una oración a la deidad para que su favor les acompañe en sus objetivos, comerciales o rituales.
Para su elaboración, se usa como cepillo el algodón envuelto sobre un palo de bambú. Los colores que se aplican están preparados manualmente por los artistas. El color negro se prepara mezclando tizne con fimo de vaca; el amarillo se prepara a base de cúrcuma y leche de hoja de Banyan; el azul se extrae del índigo; el rojo de la flor de kusum; el verde de la hoja del árbol de madera manzana; el blanco de polvo de arroz; y naranja de la flor de palash.

Los exponentes principales de las pinturas madhubani son el estilo ¨Maithil Brahmin¨ y el estilo ¨Kayasthas¨, característicos de los pueblos de Jitwarpur y Ranti, muy cerca de la ciudad Madhubani donde yo nací.
Allí, las pinturas madhubani se han convertido en un centro de actividad comercial.
Diariamente, se puede ver a los más jóvenes ocupados en arreglar y confeccionar los papeles artesanalmente y buscando los colores.
La comercialización de las pinturas madhubani empezó en 1962, cuando un artista extranjero que viajaba por este pueblo se sentió atraído por los murales. Persuadió a las mujeres para pintar esos mismos dibujos en papel, para poder llevárselo y mostrarlos en su país. La idea fue un gran éxito y así comenzó la comercialización. Desde entonces, la forma de pintar se ha diversificado en diferentes modos.

K-pop, la música moderna de Corea

K-Pop (abreviación de Korean popular music, en inglés o música popular coreana en español), es un género musical que incluye diversos estilos como la música dance electrónica, hip hop, rap, rock, R&B, etc, y que se refiere específicamente a la música popular de Corea del Sur, debido a que en Corea del Norte prácticamente no hay industria de música popular con influencia occidental.
Muchas de las estrellas del K-Pop, como los grupos de música dance, SS501, B1A4, Super Junior, Teen Top, U-KISS, Girls' Generation, TVXQ/DBSK, T - Max, SE7EN, MBLAQ, SHINee, Lee Hyori, BoA, Rain, The Last Generation, SHINee, Kara, f(x), T-ara, Wonder Girls, Miss A, Jewelry, 2PM, 2AM, Beast/B2st, Sori, 4minute, Secret, 2NE1, Brown Eyed Girls, el grupo de R&B After School, el grupo de hip hop Big Bang y las bandas de rock F.T. ISLAND y The TRAX, son muy populares en China, Japón, Taiwán, Hong Kong, Singapur, y en menor medida en otras partes de Asia y Latinoamerica. La popularidad del K-Pop es a menudo considerada una parte importante del surgimiento del Korean Wave (ola coreana), "Hallyu", en la región.
Uno de los grupos del K-Pop, más representativos de "Hallyu" (ola coreana) es TVXQ (conocido internacionalmente) o Dong Bang Shin Ki (en su natal corea), siendo el grupo extranjero de música dance más famoso en Japón logrando un puesto seguro dentro de su música. El séptimo sencillo "Sky" llegó a la tercera lista de Oricón y con su single "Purple Line" llegaron al primer puesto en Oricon seguido por varias canciones que lograron el mismo primer lugar: "Beautiful You", "Sennen Koi Uta", "Dōshite Kimi o Suki ni Natte Shimattandarō", "Jumon: Mirotic", "Bolero", "Kiss the Baby Sky", "Wasurenaide", "Share the World", "We Are!", "Colors: Melody and Harmony", "Shelter", "Break Out!", "Toki o Tomete". Las canciones como "Wasurenaide" y "Kiss the Baby Sky" fueron creadas por dos de los cinco miembros: Micky YooChun y Hero Jaejoong y "Colors: Melody and Harmony", "Shelter" cantada por ambos como dueto. Son el grupo con más records rotos incluyendo tres Record Guinness. Tienen gran popularidad en China, Tailandia, Hong Kong, Taiwan, Malasia, Singapur, Indonesia y clubs no oficiales en Europa y América Latina. Quedando en el año 2010 cuatro de sus cinco miembros como las 25 mejores voces coreanas. Xiah Junsu (primer lugar), Hero Jaejoong (segundo lugar), Micky YooChun (noveno lugar), Max Changmin (décimo cuarto lugar) Su popularidad es muy grandes, siendo conocidos como el grupo masculino representativo del kpop y los representantes de Asia en todo el mundo. U-Know Yunho (líder del grupo) es considerado como uno de los mejores bailarines de corea, siendo el que dio el baile en la despedida del gran cantante Michael Jackson el año de su muerte, en Corea del Sur.
BoA, quien ha editado álbumes en Corea del Sur y Japón, ha vendido sobre 10 millones de copias en Asia. En el año 2004, ella ganó el premio de "Artista Más Influyente" en los MTV Asia Music Awards que se realizaron en Singapur. El 2005, el 15º single japonés de BoA, llamado Do The Motion, llego al primer lugar de la lista Oricon, convirtiéndola en la primera cantante no japonesa en llegar a ese puesto en 21 años, además de ser sólo la quinta artista extranjera en conseguirlo. Ese mismo año participo en el concurso NHK Best Singers en Japón, siendo la única artista extranjera en ser invitada durante cuatro años consecutivos. Siendo considerada como la solista representante del K-Pop (en Japón y otros países).

En el año 2011, el grupo de K-Pop más valorado en todo Asia es Girls' Generation, o también llamado SNSD, con fama en Japón, China, Taiwán y todo el resto de Asia (Sudeste Asiático). En Japón su primer disco titulado First Japanese Album ha vendido más de 700.000 unidades y obtuvo doble disco de platino, y es la número uno en ventas en Sur Corea.
El surgimiento del grupo Seo Taiji and Boys en 1992 marcó un punto importante en la música popular coreana, ya que el grupo incorporó géneros occidentales como el hip hop, rock, y tecno. El enorme éxito de Seo Taiji and Boys en Corea y grupos experimentales semejantes como Panic, marcaron la tendencia de la actual generación de artistas K-Pop. Después de Seo Taiji and Boys, actos más orientados a la danza fueron dominando la escena de la música popular coreana de los años 1990.
Recientemente, la música rock ha tenido un avance dentro de la corriente, con bandas como Yoon Do-Hyun Band, ganando reconocimiento nacional. Entre otros artistas populares están Lee Jung Hyun, una cantante tecno; 1TYM, una banda de rap de cuatro integrantes; y Wax, un grupo femenino de rock alternativo. Corea del Sur es también hogar de muchos innovadores artistas de hip hop como Epik High, Drunken Tiger y PSY.

Peces hechos con hojas de palmera

Este arte tan singular es muy popular en pueblos tailandeses, especialmente en la Planicie Central donde a la creación de los preciosos peces de hojas de palmera o plátano se dedican incluso los niños pequeños.
La especie más popular es la carpa, debido a su forma ideal para crear composiciones más interesantes.

Los peces se venden por unidades o en bancos. Las composiciones más interesantes son las que presentan una madre pez rodeada por peces pequeños. Los ornamentos de este tipo están conocidos en Tailandia como „Pla Tapian Bai Lan”.
Bailando al ritmo del viento, los peces de todos colores colgados con hilos se colocaban encima de la cuna para que los niños durmieran en paz.
Colocados en la puerta, los peces de hojas de palmera se consideran un buen talismán que atrae suerte y prosperidad.
Los ornamentos hechos de los peces de hojas de palmera son un recuerdo ideal para los turistas que busquen algo especial. Es un producto de la región Ajutthaja protegido por el programa OTOP.

El cine iraní

Al hablar de cine normalmente se plantean sus tres aspectos principales: el artístico, el industrial y el comercial. Aquí vamos a hablar del aspecto artístico del cine iraní, haciendo hincapié en su evolución histórica La verdad es que en Irán la tecnología cinematográfica ha sido una tecnología totalmente importada. Este hecho influyó sobre los argumentos de las películas, es decir, en muchos casos los guiones eran una imitación de las películas realizadas en otros países con tecnología propia. 
Sin embargo, el cine iraní ha ido evolucionando y como muchos otros países se ha ido extendiendo a temas líricos, épicos, educativos, políticos, sociales, etc.. 
Después de la revolución de 1979 el cine bélico ha tenido una gran cuota de pantalla en Irán. Desde el punto de vista temático, esta evolución fue natural y autoefervescente al principio. Más tarde el cine iraní se hizo mas técnico prestando especial atención a aspectos analíticos, objetivos, filosóficos, sociológicos, psicológicos, estéticos, y otras ciencias aplicadas. Por otra parte, los elementos propios de este cine han contribuido enormemente a la formación de su identidad iraní. Por ejemplo, es destacable la fuerza de la literatura y la música persa, pero ello no significa olvidar la influencia del cine de otros países en el séptimo arte iraní. 
La cultura iraní en su histórica evolución ha estado en contacto permanente con otras culturas. Ese hecho ha facilitado el acceso del cine iraní al dominio de las culturas iraní, islámico y occidental. Llegado a este punto podemos establecer una clasificación general para el cine iraní. Antes mencioné que nuestro cine al principio fue una simple imitación de las realizaciones en otros países, evolucionado poco a poco hacia una industria especializada y de investigación. Naturalmente en ambos periodos ha habido excepciones que expondré más adelante. 

El cien iraní echó a andar con una película muda en 1929, aquella película llama "La Venganza del Hermano" (Entegame Baradar) era obra de Ebrtahim Moradi. Mas adelante en 1932 Abdol Hosein Separta y Ardeshuir iraní co-dirigieron en India "La Chica Lor" (Dokhtare Lor). Salvo alguna película histórica aquella incipiente industria era una mezcla de historias con comedia musical e incluso melodramas que carecían de una identidad propia y presentaba una visión populista. 
En la década de los 70 los realizadores iraníes se inclinan hacia temas sociales. "La Vaca" (Gav) y el "Idiota" (Agaye Hal) en 1969 de Dariosh Mehr juii; "Un simple suceso" (Yek Ettefage Sadeh) en 1971 de Sohrabe Shahid Sales; "El Chaparrón" (Ragbar) en 1972 de Bahram Beyzaii; "La Harminica" (Saz Dahani) en 1973 de Amir Naderi; "El Cuervo" (Calagh) en 1977 de Bahram Beyzaii; "Mozafar" en 1974 de Abbas Kia Rostami; "Los Mongoles" en 1975 de Parviz Kimiavi. Son representantes de aquellos años. 
La característica de este cine era la localización en los cabarets, la violencia y erotismo, aunque también hubo experiencia de innovaciones en películas como La Vaca y Gheisar, así como cine de vanguardia como Los Mongoles. Después de la revolución de 1979 se produce un cambio total en el argumento y el contenido del cine iraní. Temas políticos, revolucionarios, épicos y bélicos, así como guiones históricos y sociales atraen a los realizadores iraníes. 
Los cineastas buscan proyectos más sólidos aunque todavía hay vestigios del cine experimental prerrevolucionario, mas adelante el cine revolucionario pudo crear sus normas. 
A pesar del éxito de algunos cineasta iraníes en los festivales internacionales, el cine iraní todavía no ha podido ganarse a los espectadores de su propio país. La razón es una recaudación limitada de la mayoría de las películas, la falta de repetición de argumentos que han tenido éxitos, la incapacidad de crear una relación directa con los espectadores, la falta de difusión de la cultura, de la conducta del protagonista en la sociedad o al menos entre los jóvenes. 
Aun cuando la mayor parte de los cineasta persas, especialmente después de la revolución, han narrado la historia de su época o han tratado de dar una imagen de la cultura popular, no siempre han tenido éxito en esta empresa y muy a menudo han quedado apartados de la realidad de su sociedad e incluso de la lengua, la literatura y la música actual de Irán. 

Danza camboyana

 Danza camboyana puede ser dividido en tres categorías principales, la danza clásica que se convirtió en las cortes reales, las danzas de la gente que retratan vida diaria, y las danzas vernáculas que se bailan para las funciones sociales.


DANZA CLÁSICA

Danza clásica de Khmer, también conocida como Khmer real ballet clásico o la danza de la corte de Khmer, es una forma de Camboya la danza se realizó originalmente solamente para los derechos. Se llama trop del reachea del preah del robam en Lengua de Khmer, que medios “danzas de la abundancia real.”
Las danzas tienen muchos elementos en común con Danza clásica tailandesa, muy probablemente un resultado de la corte real de Khmer que intercambia la cultura por el real Tailandés corte a través del poste-Angkor era. Khmer y los trajes clásicos tailandeses de la danza parecían una vez muy similares el uno al otro, pero la danza y el traje de Khmer han ido bajo cambios leves y reformas traídos encendido por la reina anterior de Camboya, Kossamak Nearireath. Durante el siglo de mid-20th, fue introducido al público donde ahora sigue siendo un icono celebrado de la cultura de Khmer, siendo realizado a menudo durante los acontecimientos públicos, días de fiesta, y para los turistas que visitaban Camboya.


DANZA DE LA GENTE
Las danzas populares aquí refieren a a ejecución de arte donde se realiza para una audiencia. Rápido-se establecen el paso las danzas populares de Khmer. Los movimientos y los gestos no son tan estilizados como la danza clásica de Khmer. Ropas populares del desgaste de los bailarines de la gente que ella está retratando por ejemplo Chams, tribus de la colina, granjeros, y campesinos. Algunas danzas populares son sobre amor, o son folktales sobre animales. La música de danza popular es jugada por a mahori orquesta, que es similar a a orquesta del pinpeat salvo que contiene muchos stringed y desplumó instrumentos y un tipo de flauta en lugar de sralai ( oboe- como el instrumento).


DANZA VERNÁCULA

En Camboya, danza vernácula (o danza social) son las danzas que se bailan en las reuniones sociales. Tales danzas incluyen vong del espolón, kbach del espolón, espolón saravan, leav del lam (literalmente: “Danza del Lao”) y así sucesivamente. Algunas de estas danzas tienen mucha influencia de las danzas tradicionales de Laos. Pero kbach de la ROM, por ejemplo, tome pesadamente de la danza clásica de la corte real. Kbach de la ROM son las danzas simples que utiliza el gesto de la mano similar a el de la danza clásica y kbach de la ROM la canción también utiliza las melodías de las canciones clásicas de la danza y las combina con Khmer tradicional y los instrumentos occidentales.
Otras danzas sociales de alrededor del mundo han hecho que un impacto en cultura social camboyana incluya Cha-cha, Bolero, y Madison. Tales danzas se realizan a menudo en las recepciones y los banquetes camboyanos de la boda.

Renacimiento de la danza camboyana

El turismo en Camboya está haciendo que la danza típica de este país pueda renacer nuevamente, algo que es sin duda una buena noticia, debido a que en la época de los Jemeres Rojos estuvo a punto de desaparecer debido a que esta danza no se permitía. Se trata del apsara, una danza tradicional que ofrece a todos los turistas un espectáculo realmente mararavilloso y que no tiene nada que envidiar a otras muchas danzas de otros lugares de Asia, ya que tiene una magia muy especial para maravillar a todo el público.
Desde hace algunos años la danza Apsara sigue mejorando gracias a que se creó una asociación para no perder esta danza tradicional en Camboya que estuvo prohibida durante muchos años y que por lo tanto ha sido complicado encontrar personas que tengan conocimientos sobre esta danza tradicional, debido a que buena parte de los profesionales fueron asesinados cruelmente durante la etapa del Jemer Rojo, una de las etapas más oscuras de este país.
El turismo está permitiendo que esta danza tradicional de Camboya se esté dando a conocer a todo el mundo y esto permite que los turistas se puedan interesar mucho por la danza tradicional de Camboya y les apetezca conocer este país tan atractivo y agradable, además de ser una forma de expresión artística que esperemos siga avanzando y que con el paso de los años no se pueda perder, ya que forma parte de la cultura tradicional de Camboya y como tal merece la pena conocerla.

Música tradicional coreana

 La música tradicional coreana consiste en ritmos y melodías tradicionales, también es conocida como la música clásica coreana.
Durante el período de los Tres Reinos, (57 a.C – 676 d.C), en la península coreana, hubo importantes avances musicales, incluyendo la invención del “geomungo” en la nación de Goguryeo, y la invención del “gayageum” en la nación de Gaya. Además, hubo influencias de la música cultural china y de los países limítrofes, que denotaban intercambios culturales de aquellos tiempos. Durante el período de Goryeo, con la influencia del “aak” (música ceremonial de la Corte, interpretada durante la ceremonia Jerye del templo Jongmyo, con raíces chinas) y del “hyangak” (música de Goguryeo), Baekjae y Silla pasó directamente a Goryeo. A principios y mediados de la era de Joseon (1392-1910) la atención estaba centrada en la música de la Corte, mientras que a finales de la misma época, el interés principal pasó a ser la música folclórica. Generalmente, el “aak”, la música de la Corte, se tocaba durante las ceremonias de las cortes y contenía letras en honor al Rey. En el siglo XV, se publicó el texto musical “Akhakgwebeom”, con detalles de la teoría, historia e instrumentos musicales. A finales de la era de Joseon, con la rápida evolución del comercio y la industria, y el crecimiento del nivel de producción agrícola, comenzó a desarrollarse la cultura popular, fenómeno que influyó directamente, en alteraciones de la música. En otras palabras, hubo un aumento de los miembros de la Sociedad, que disfrutaban de la música, incrementándose la variedad en la música y en los géneros. La cultura popular dio lugar a la ópera “pansori” y la música folclórica. La música folclórica fue una honesta y franca descripción de los sentimientos y pensamientos de la plebe de aquellos tiempos, y muchas canciones folc'lóricas eran una sátira de la desigualdad social. Este tipo de música folclórica fue evolucionando posteriormente, y convirtiéndose en el “samulnori” (música interpretada con 4 instrumentos de percusión diferentes), que fue muy popular entre el público en general.

Existen más de 100 instrumentos diferentes, utilizados en la música tradicional coreana. Estos instrumentos se dividen en tres categorías, según el tipo de sonido:

“Hyeonakgi” (instrumentos de cuerda): Gayageum, geomungo, yanggeum, haegeum, ajaeng, entre otros.
“Gwanakgi” (instrumentos de viento): Daegeum, sogeum, piri, danso, saenghwang, nabal, nagak, tungso, entre otros.
“Taakgi” (instrumentos de percusión): Bak, pyeonjong, pyeongyeong, janggu, kkwaenggari, buk, entre otros.

La caligrafía china

El chino es un idioma no exento de cierta complejidad, tanto en el aspecto fonético como en el gráfico. Respecto a la escritura, constituye todo un arte cultivado durante siglos y transmitido con solemnidad de una generación a otra. Los caracteres, soberbias composiciones de trazos, pueden ser escritos según cinco estilos históricos -por lo general con pincel y tinta- que son: el estilo del sello, el estilo de los escribas, el estilo regular, el estilo corriente y el estilo de hierba.

El estilo del sello es el más antiguo de todos, y supone una adaptación del grabado tradicional de los caracteres sobre piedra o metal. Ha sufrido muchas evoluciones a lo largo del tiempo; sus trazos son finos, puntiagudos en los extremos y curvados ocasionalmente, y los caracteres resultantes se dividen en dos categorías, la del gran sello y la del pequeño sello. No se trata del estilo más recomendable para los iniciados en esta disciplina, pues es difícil asociarlo al chino moderno.

El de los escribas nació para subsanar la complejidad e irregularidad del estilo del sello y favorecer así el aprendizaje y la expansión de la escritura. Provino de los funcionarios o escribas de la época, quienes lograron desbancar al estilo anterior, si bien el creado por ellos no tuvo una vida demasiado larga. Se compone de trazos espesos y cuadrados, cuyos extremos no se adivinan, y que se fueron ondulando con el tiempo. Aunque relegado en el uso común, se siguió empleando para la caligrafía o la composición de títulos y citas ilustres.

Fue el regular el que se impuso al de los escribas gracias a la racionalización del mismo, ganándose así el título de escritura estándar, que no fue modificada en 1.300 años, hasta hace apenas medio siglo. Aunque tiene dos variantes, la regular grande y la pequeña, en general se caracteriza por unsuavizado de los ángulos y las aristas, una modificación de los inicios de los trazos y una tendencia de los horizontales a ascender por su izquierda. Éste es el estilo al que se recurre actualmente paraaprender a trazar caracteres, y el empleado casi siempre que se pretende escribir con corrección, pues es similar al aspecto de los caracteres impresos.

La simplificación del regular se convirtió en la escritura más habitual en los manuscritos cotidianos, por su rapidez de trazo: de ambos conceptos nació la denominación de “estilo corriente”. Son estilizaciones cursivas de las unidades básicas del estilo regular, provenientes de las líneas que se generaban al escribir los trazos sin levantar el pincel de uno a otro. Los del estilo corriente se diferencian por ser mássencillos y directos, y por ser escritos sin que el pincel retroceda sobre el papel. No se considera, ni mucho menos, una variante bastarda del estilo regular, pues de hecho posee sus propias reglas caligráficas.

Por último, el estilo de la hierba, también llamado cursiva o escritura loca, es el más pintoresco. El nombre puede provenir de su aspecto, como de hierba agitada por el viento, y por su uso para escritos efímeros, que se asocian a la paja. Es un estilo genuino, no surgió de ninguno anterior: se caracteriza por unas formas sin constreñir, mezcladas a veces entre sí, que suelen salirse del cuadrado virtual, un espacio reservado para cada carácter respetado en los otros estilos. Éstos se abrevian y reducen a su forma fundamental, volviéndose irreconocibles para los ojos poco experimentados. De hecho, la lectura y escritura del estilo de la hierba es algo reservado a eruditos y calígrafos avezados, que se convierten en artistas abstractos cuando lo trabajan más esbozadamente. Puede pensarse que estos caracteres se escriben con rapidez, pues eso sugiere su aspecto, pero en realidad es tan sólo una sugestión, ya que se trazan cuidadosamente y con cierta parsimonia. No en vano, exigen unelevadísimo conocimiento de la caligrafía china y sus técnicas.

Arte y cultura de Butan

La mayoría de los butaneses viven en granjas y poblados remotos, en absoluta armonía con la naturaleza. La sociedad es igualitaria en sus apariencias: más allá del estrato social al que pertenezcan, todos visten del mismo modo. La vestimenta nacional oficial es distintiva, originaria de la época del primer Shabdrung. Finamente tejido con lanas multicolores, algodón o seda, el traje masculino se llama gho, y el femenino, kira. Sobre los vestidos suelen utilizar un toego, una suerte de chaqueta. Los atuendos se completan con medias y zapatos, o bien las tradicionales botas realizadas a mano. Todos en Bután visten utilizando las prendas reglamentarias para ocasiones formales, aun durante los horarios de trabajo. Una curiosa e ingeniosa iniciativa ha impulsado el diseño y la renovación de los vestuarios tradicionales dentro del país. Se trata de una competición, realizada todos los años, por iniciativa del Museo Textil de Bután. Esta competición estimula a los tejedores a diseñar y producir telas utilizando los colores de la temporada, con el fin de conseguir que los gho y las kiras se vuelvan más atractivos, especialmente para los más jóvenes. La carpintería, la herrería, el tejido, la escultura y la joyería -que confecciona adornos de coral, turquesa, perlas y ágata, delicada y artesanalmente engarzados en oro y plata- resultan un exótico y exquisito atractivo para los visitantes. Estas artes de transmisión milenaria continúan enseñándose en diversos institutos y escuelas del país, como modo de perpetuar las tradiciones estéticas y proveer al pequeño pero febril mercado turístico.






http://eltrajeyelmundo.wordpress.com/asia/butan/

Musica de Indonesia

El archipiélago cultural de Indonesia abarca 18.000 islas, con su propia historia única y distintos temperamentos culturales y artísticos. Esta diversidad en la fibra moral de las numerosas islas ha dado a luz a los centenares de diversas formas de música, que se acompañan a menudo de danza y teatro. Para saber más sobre la música y para bailar en Indonesia, es importante entender las varias influencias culturales que han formado eventualmente el país. Si bien en sus orígenes fue influida por los sistemas musicales de China, India e Indochina, su evolución es independiente y totalmente diferenciada. La música de Indonesia no tiene sentido separada de la poesía o la danza y es, en general, de carácter mágico y religioso, tomando formas de representación teatral. La unidad de ejecución es el gamelan, orquesta formada por instrumentos diversos según las distintas variedades. La música de Indonesia comprende tres sectores: Java, Bali e islas periféricas.

La música de Java, Sumatra, Bali, Flores y otras islas ha fascinado a muchos. El "estallido" de la música tradicional en el curso de la música popular indonesia y de la música tradicional indonesia, ha creado caminos distintos. La música indonesia abraza la roca, la casa, el cadera-salto y otros géneros, así como formas distintamente indonesias. Indonesia tiene varias clases de música popular "étnica", agrupadas generalmente juntas como "estallido Daerah" o "estallido regional". Éstos incluyen el "estallido Sunda", "estallido Minang", el "estallido Batak", y otros. En las formas regionales de la música popular, se dan sobre todo los idiomas locales y una mezcla del estilo occidental y regional de la música y de los instrumentos que se emplean. En la música y la danza populares con cantantes, destacan el kromongDangdut, el jawaGambang, el jawaTembang de Indonesia y Langgam. Se basaron en la forma de música de danza que ha sido popular desde mediados de los años setenta. El Qasidah moderno, es una forma de poesía religiosa acompañada por cantos y la percusión y es muy popular entre las audiencias del "estallido".El baile en Indonesia se realiza como en la mayor parte de los artes de ejecución del Oriente. La danza en Indonesia se cree que pudo haber comenzado como una forma de adoración religiosa. Hoy, aunque las influencias modernas continúan entrando calladamente, las viejas tradiciones de la danza y el drama todavía están bien resguardadas. Se están preservando por muchas organizaciones gubernamentaleso o academias de arte y escuelas de danza supervisadas, aparte de las que prosperan en las cortes. En tiempos preteritos estas manifestaciones musicales fueron realizadas en las cortes reales para entretener, sin embargo, ahora estas danzas han alcanzado a amplios estratos populares de las cortes incluidas, y han incorporado una forma más espontánea de expresión.

Java: La música javanesa conoce dos sistemas de afinación principales, el slendro (pentatónico) y el pelog (heptatónico); de ellos derivan todos los actuales. A cada sistema de afinación corresponde un sistema de representación teatral basado en representaciones con actores o con marionetas y, según cuál sea el estilo, sobre ciclos del Ramayana y Mahabaratha o sobre ciclos autóctonos javaneses. Entre los instrumentos javaneses se pueden mencionar el gambang kayu, especie de xilofón, el bonag panerus, formado por una doble fila de tubos, el ageng, un tipo de gong, etc. Cada uno de ellos tiene una función definida dentro del gamelan y en relación al estilo y escala escogidos. El canto tiene gran importancia, ya que la poesía se canta siempre y no se recita. Existen gran variedad de formas vocales y de metros. El número de versos, su metro y la vocal final de verso están prescritos rigurosamente. Una variedad del gamelan es el kowangan de los pastores de las montañas, que utiliza instrumentos de cuerda, tamboriles e instrumentos de bambú.

Bali: El sistema musical de Bali es, en cuanto a lo que a instrumental y sistemas de afinación se refiere, similar al javanés, pero desde el punto de vista del carácter es fundamentalmente distinto. La base de la música balinesa la dan fuertes contrastes dinámicos y de tempos, una gran espectacularidad y una riqueza ornamental que contrasta con la severidad normativa de la música javanesa. La diferencia originaria estriba en que mientras la música de Java fue una música de corte, o al menos favorecida por las familias reales, la música de Bali se ha originado comunitariamente dentro de un régimen social totalmente distinto. Por otra parte, en la música balinesa las influencias de origen chino o hindú son mucho menos fuertes que en lava. El gamelan balinés acentúa la presencia de los instrumentos de metal y las cuerdas suelen estar representadas únicamente por el rebab, o incluso suprimidas totalmente. En esta zona el teatro de sombras chinescas cobra una importancia primordial. La actuación de un gamelán balinés en la Exposición de París de 1889 causó una gran impresión en Debussy. Modernamente, otros músicos occidentales se han acercado a la música de Bali.

Islas periféricas. Están influidas por la música de Java y Bali así como por la de culturas no indonésicas. La influencia balinesa es más importante en las islas de la Sonda, especialmente en Lombok. Las islas Célebes cuentan con cantos heroicos autóctonos acompañados por el keso-keso, especie de laúd. Borneo pertenece al área de influencia javanesa, salvo en el interior, donde existen cantos autóctonos y un interesante órgano de boca, llamado kledi, originario de Indochina. Por el contrario, la isla de Sumatra mezcla la influencia puramente indonésica con la del mundo islámico. La música de Sumatra muestra influencias arábigas y aun persas, existiendo en ella algunas especialidades instrumentales como el bangsi, especie de flauta, el serunai, especie de oboe, y el gambus, laúd de siete cuerdas.

Música árabe

La música árabe es la música de los países árabes, que tienen en común el idioma árabe y el Islam. Se incluye bajo esta categoría géneros de música clásica, popular, profana yreligiosa. La música árabe ha estado en contacto con otras músicas regionales, como con la persa, la turca, la india, la bereber, la suajili, la andalusí y la europea. Al igual que en otras áreas de la ciencia o de las artes, los musulmanes tradujeron del griego al árabe los antiguos tratados de teoría de la música, y asimilaron los principios de los sistemas enarmónico, cromático y diatónico...

La música árabe se caracteriza por la primacía de la melodía y el ritmo sobre la armonía. Lo habitual es que la música sea de textura monódica, aunque también existen algunos ejemplos música árabe de textura polifónica.

Desde el punto de vista melódico el sistema musical árabe está basado en la octava dividida en 24 cuartos de tono, un sistema difícil de asimilar por los oídos acostumbrados a lamúsica occidental, educados tonal y armónica en un octava dividida en 12 semitonos y ajenos a la microtonalismo. Para escribir la música árabe usando la notación musical occidental, ajena al cuarto de tono, se utilizan los signos + y -. El + sirve para indicar la elevación de un cuarto de tono y el signo - para indicar la bajada de un cuarto de tono. Estos signos, combinados con el bemol, sostenido y becuadro, facilitan la representación gráfica de los intervalos de cuartos de tono.

El maqam árabe es un sistema de modos melódicos utilizado en la música árabe. La palabra maqam significa estación. Cada maqam está constituido en una escala determinada y por una serie de de notas importantes, frases melódicas habituales y por un desarrollo melódico y por una modulación determinadas por la tradición. Tanto las composiciones como las improvisaciones en la música tradicional árabe se basan en el sistema del maqam. Los maqam pueden interpretarse ya sea con un instrumento o con la voz y no incluyen el ritmo.

Durante las décadas de 1950 y 1960 la música árabe empezó a recibir grandes influencias de la música occidental, con artistas como Abdel Halim Hafez. En los años 1970 un grupo de cantantes siguieron su ejemplo y eso propició el nacimiento de la música pop árabe. Este género consiste en canciones de estilo occidental pero cantadas en árabe y con acompañamiento de instrumentos tradicionales árabes, con lo que el sonido resultante es una mezcla de Oriente y Occidente. En los años 1990 varios artistas han tomado este estilo, caso de Amr Diab, Hisham Abbas, Asalah Nasri, Mostafa Amar, Najwa Karam, Nawal Zogbi, Wael Kfoury, Latifa, Cheb Khaled, George Wassuf, Marwan Khoury y Hakim.

Danza del vientre

La danza oriental ha sido tradicionalmente folclórica, improvisada por una sola bailarina, aunque ahora pueden verse espectáculos concoreografía y varias bailarinas. Se caracteriza por sus movimientos suaves y fluidos, disociando y coordinando a la vez las diferentes partes del cuerpo. Por ejemplo, los brazos pueden ir a un ritmo diferente del que va marcando la cadera. La atención se centra principalmente en la cadera y el vientre, alternando movimientos rápidos y lentos y se enfatiza en los músculos abdominales, con movimientos de pecho y hombros, así como con brazos serpenteantes. Los movimientos ondulatorios, rotativos, que por lo general son lentos simbolizan la tristeza; en cambio con los movimientos rápidos, golpes y vibraciones la bailarina expresa alegría. Todos los movimientos de esta danza se relacionan con la naturaleza, por ejemplo, las plantas de los pies se apoyan bien sobre el suelo, lo cual simboliza la tierra, o también cuando la bailarina extiende sus brazos siempre forman una semi U y nunca están caídos, esto simboliza a las aves.

En un comienzo las bailarinas árabes se perfumaban las muñecas para que al bailar y al mover sus manos se perfumaran ellas mismas y a su público. En esa época no existían perfumes, por lo que utilizaban aceites.

A lo largo de los años, se han ido incluyendo algunos elementos tradicionales para "adornar" este tipo de baile, como por ejemplo: velos,sable, bastón, velas, crótalos, alas de Isis, etc. Aunque esta danza suele ser femenina, también hay algunos bailarines varones.

Para cada elemento hay un ritmo, y para cada canción una técnica, aunque muchos artistas modernos, como Hakim o Shakira, hayan popularizado esta danza con todo tipo de modificaciones en su música, desde el pop hasta la electrónica.

Los grandes bailarines se decantan más por la técnica clásica usada en los países del Oriente Medio, tanto es así que la innovación en la ejecución de esta es lo que prima en los festivales de Danza Oriental realizados en el Cairo, uno de los más populares es el organizado por la bailarina Raquia Hassam, el Festival Ahlan Wa Sahlan.

El atuendo con el que se suele asociar este baile se llama bedlah en árabe, que significa "uniforme", y lo adoptaron los bailarines de Egipto en la década de 1930, desde donde se extendió a otros países de la zona. Su creación se debe al Vaudeville con sus representaciones fantasiosas del harén, al género burlesco y a Hollywood a finales del siglo pasado, más que al verdadero atuendo tradicional del Oriente Medio. Consiste principalmente en un top o sujetador ajustado (normalmente adornado con cuentas o monedas), un cinturón ajustado a la cadera (también con monedas o cuentas) y pantalones y/o faldas tipo harén, que pueden ser lisas, a capas, etc.

Asimismo se ha extendido el uso de otros elementos, como el velo, para enmarcar los movimientos. Las bailarinas egipcias normalmente lo utilizan únicamente al comienzo del baile, mientras que en Occidente puede usarse durante toda la representación.

El atuendo original de las bailarinas egipcias consistía en una especie de faja alrededor de la cintura, una falda de lino o algodón muy sencilla, y los senos al aire. Las bailarinas se tatuaban imágenes de la diosa de la sexualidad, tanto en los muslos como en los brazos.

Música y danza de Vietnam

La música tradicional vietnamita es extremadamente rica y diversa, abarca desde la música ceremonial y teatral y se expande hasta las canciones populares folklóricas. A la par de la situación geográfica y de su historia, la complejidad técnica de la música de Vietnam revela claras influencias chinas e hindúes.
La primera se manifiesta mediante los instrumentos de cuerda y la teoría musical, la segunda, mediante los tambores y los ritmos. Agregándose a esta complejidad se encuentran las distintas tradiciones regionales de Vietnam (norte, centro y sur), así como las tradiciones de las minorías étnicas
La herencia rica de la cultura de Vietnam ha dado lugar a la música y a la danza únicas en Vietnam. Tiene influencias indígenas y extranjeras que te ha dado un carácter propio.
La música y la danza en Vietnam ha sido influenciada fuertemente por las tendencias en las cortes reales. Por ejemplo, Nha Nhac es la clase de música vietnamita sintetizada por los reyes de Nguyen de la dinastía de Nguyen, la dinastía pasada de Vietnam. Se usaba en la corte real. La corte también tenía danzas sobre todo en el tema de desear buenos augurios y duración en su reinado para el rey , así como para desear la prosperidad para el país. Estas danzas incluso se realizan hoy.
El ho de Quan es la otra forma de música en Vietnam. Es la más popular de la provincia de Bac Ninh y de la provincia de Bac Giang. Existen muchas variaciones al " ho de Quan " especialmente en el Vietnam norteño. También se improvisa a veces y se utiliza en rituales del courtship. Ho es la versión meridional del "ho de Quan" utilizando el amor, el courtship y el campo como los temas comunes utilizados.
En 1986, músicos como Pham Van Ty han desempeñado un papel enorme en el restablecimiento de la música rítmica y tradiconal ... Estas formas de música en Vietnam se utilizan para levantar alcoholes como rito en sus ceremonias.
Otra música tradicional popular en Vietnam, tru del ca y es cantada sobre todo por los cantantes femeninos. Otra forma de música vietnamita es "el nhac" ... Es comparativamente una nueva forma de música tradicional que se presenta en los años 50. Es una fusión de la música tradicional y de las notaciones musicales occidentales. Se ha criticado fuertemente para diluir la música tradicional.
Se dice "Broncear el nhac", significando música moderna, ... esta fusión se hizo en los años 30 por Nguyen Xuan Khoat. La música en teatro vietnamita incluye también el tuong del sombrero, el cheo del sombrero y el luong del cai.
El "Cheo" es la más vieja forma el sobrevivir de ópera vietnamita. Comenzó en el siglo XI mientras que "el tuong" llegó en el siglo XIII de China . Los temas del tuong eran históricos o concentientes a las leyes del decoro social.
Otro tipo de música es el denominado"Cai lu´ o ’ ng" originarios del siglo XII. El tema de Cai lu’ o’ el ng es histórico y contemporáneo al mismo tiempo.

Los instrumentos musicales tradicionales de Vietnam son el bau de Dan, gao de Dan, nguyet de Dan, Dan nh... Thap l del tam de Dan c, tranh de Dan, Ba ty de Dan, y T'rung.
La música y la danza en Vietnam son renombradas para la flexibilidad y la variedad. Las formas de la danza del vietnamita incluyen hoy la danza antigua del Cham y de Hmong, el ballet clásico y la danza moderna.
Los Lion’ se utilizan en una danza popular en Vietnam, que se celebra en Vietnam del norte en el décimo quinto día del octavo mes del año lunar, y la danza de Unicorn en Vietnam del sur en los días de fiesta de Tet.
Mientras que en el norte la danza ocurre en la noche, la gente en el sur lo realiza durante el día.
El estudio de la música y danza en Vietnam ayuda entender las costumbres y tradiciones del vietnamita, sus creencias, aspiraciones y sus sueños. Espero que esta pincelada, sea solo el principio de tu visita y te hayan entrado ganas en profundizar en sus costumbres buscando más información de alguna de estas danzas, melodías o fiestas del pueblo vietnamina.

Música clásica india tradicional

Los dos estilos de música clásica han sido la música carnática, encontrada principalmente en el sur, y la música clásica indostaní, en el norte del país. Las dos tradiciones divergieron de una misma raíz durante el siglo XIII.

La formación musical indostánica y su teoría ha podido ser conocida gracias a los trabajos de divulgación publicados por el rajah Sourindro Mahun-Tagore, hombre de vasta cultura musical y literaria que quiso dedicar la mayor parte de su vida a la generosa misión de dar a conocer con todo detalle la música de su país a los europeos. Gracias a este trabajo de divulgación fue descorrido el tupido velo tras del que se escondía el fondo teórico y técnico de la música hindú.

En el tercer siglo existía en el noroeste de la India una antigua civilización india que exhibe determinadas relaciones con Mesopotamia y Egipto. La música se vinculó con el culto védico (la palabra sánscrita Veda significa sabiduría).

Los cuatro libros de los Vedas (a partir de 1000 AC); contienen asimismo la música o sus textos. En ellos se encuentra el primer escrito sobre la música de la India. Se halla en el capítulo dedicado al teatro, puesto que la música india está ligada con la lengua, la danza y el gesto. El autor BHARATA compone una música vocal dedicada al Dios Brahmā, a partir de los cuatro antiguos libros de los Vedas. La música profana, es decir, sobre todo la poesía amatoria y la música instrumental, se le opone a este culto brahmánico como culto del dios aborigen, no-ario Siva. En el siglo XIV se islamiza el norte de la India, pasando la música de culto védica a un segundo plano.

La música de culto védica es vocal y monódica. Sus melodías desarrollan determinadas tonalidades, expuestas por vez primera por Bharata, pero que se remontan a prácticas antiquísimas. Los textos del Rig-veda se declamaban como canto hablado silábico, dentro del estrecho marco de tres alturas de tono entero.

El sistema tonal es modal. Se reproduce por primera vez en la teoría musical de Bharata. Se basa en una escala de siete grados, midiéndose la distancia entre sonidos en shrutis. Una octava contiene 22 shrutis. Por lo tanto, un shruti es un poco mayor que un cuarto de tono. El patrón de medida no es un sistema matemático como entre los griegos, sino el oído, del sánscrito shrut, oír. La escala (grama) superpone tres magnitudes interválicas (originalmente, los shrutis, al igual que los intervalos griegos, tenían dirección descendente): dos shrutis, o sea aproximadamente un semitono, tres shrutis, o sea un tono disminuido, y cuatro shrutis, o sea, un tono aumentado. La escala más importante se construye sobre el tono de sa. Esta sa-grama corresponde aproximadamente, con su distribución de semitonos y su tercera menor, al modo de re menor, es decir la frigio griego o al eclesiástico dórico. La segunda escala fundamental es la ma-grama, que parte de ma y que corresponde al modo de sol con el tercer grado mayor.

El ritmo es modal. La música védica se limitaba a tres valores: ligero-pesado-extendido, es decir, a 1, 2 ó 3 tiempos, para lo cual la música deshi ensamblaba dos valores breves. Los compases binarios y ternarios forman combinaciones de dos a cuatro compases cada una que se repiten. La sistematización de los tipos de compás en siete formas fundamentales, cada una de ellas con cinco variedades, se remontan seguramente a la tradición india más antigua. Mediante la superposición de diversos ritmos se origina una polirritmia, típica de la música india.En realidad, el ritmo de la música de la India, se fundamenta en la teoría del ritmo de las talas (que significa palma de la mano)

Los géneros de la música clásica indostaní son: dhrupad, dhamar, khyal, tarana y sadra.

Música tradicional tailandesa.

Tailandia tiene una herencia cultural rica y variada. La música tradicional tailandesa no es sólo popular en Tailandia y en el sudeste asiático.

También es popular en muchos otros países. Con el fin de comprender el estilo de vida de los tailandeses, es una buena idea para conocer y disfrutar de la música de Tailandia. El sonido de Tailandia es simplemente increíble. 

La música tailandesa puede dar una idea de escucha al tailandés naturaleza budista. Ofrece el ritmo y la melodía de alta calidad. Los instrumentos musicales han continuado existiendo en Tailandia junto con el oeste de instrumentos musicales. Es la singularidad de estos instrumentos que constantemente atrae a los extranjeros y las personas que no hablan tailandés.

La música tradicional tailandesa se transmite de maestros a sus alumnos. En Tailandia, la tesis de maestría es muy aprendido y bien versado en la cultura tailandesa. En la sociedad tailandesa, los maestros son muy apreciados y se consideran guardianes de la cultura tailandesa y el patrimonio.

Por desgracia para la música tradicional tailandesa, los jóvenes no están interesados ​​en la música tradicional tailandesa debido a la influencia de la cultura occidental. Sin embargo, los esfuerzos se están haciendo en Tailandia a preservar y revivir el interés en la música tradicional tailandesa.

Bussakorn, un renombrado maestro de la música tradicional tailandesa, ha sugerido al gobierno de Tailandia para hacer música tailandesa una asignatura obligatoria en las escuelas y la universidad en lugar de uno opcional. Incluso países como Trinidad y Tobago y Noruega están haciendo su parte para preservar la música tradicional tailandesa. La música tailandesa se enseña a los estudiantes de Noruega en un programa de intercambio entre Tailandia y Noruega. 

Bollywood

Bollywood es el nombre informal popularmente usado para la industria cinematográfica en hindi ubicada en Bombay, Maharashtra, India. Este término, acuñado en la década de 1970, proviene de un juego de palabras entre Bombay y Hollywood, el centro de la industria cinematográfica de los Estados Unidos.

Aunque a algunos puristas no les agrada la utilización de esta palabra, por considerar que el término alude a una parodia de Hollywood, esta palabra se ha hecho conocida y aparece recogida formalmente en el Oxford English Dictionary. Fue usado por primera vez en los años 1970 por el historiador del cine Amit Khanna o la periodista Bevinda Collaco.

El conjunto formado por Bollywood y las filmaciones en lenguas como maratí, tamil, telugu, bengalí, canarés (kannada) y malayalam, constituyen el núcleo de la industria fílmica de la India. Bollywood es una pieza fundamental de la cultura popular de la India y el resto del subcontinente Indio.

La característica más representativa de las películas de Bollywood son sus escenas musicales. Por lo general, en cada película se incluyen cantos y danzas típicas del país, mezcladas con curiosas coreografías del pop occidental. Estas escenas aparecen siempre dobladas. Esto es propio de la tradición de esta industria fílmica, en la que primero se graban las escenas y luego se doblan todos los diálogos (es una práctica que facilita, asimismo, la posterior traducción a otras lenguas), lo que en la India (país plurilingüístico, donde se hablan 16 idiomas distintos ampliamente extendidos) resulta esencial. Las pistas musicales de las películas de Bollywood son producidas muchas veces por conocidos artistas. Hay entre ellos algunos famosos asiáticos como Nusrat Fateh Ali Khan, u occidentales como Andrew Lloyd Weber. Es costumbre que la música de una película se lance al mercado meses antes de la difusión del filme. Es una forma de promocionar el largometraje, ya que, de este modo, es esperado con mayor interés por el público.